El estudio (2025) - Secuencia de una sola toma
Año : 2025
Directores/Creadores: Seth Rogen y Evan Goldberg
País: Estados Unidos (Apple TV+)
Director de fotografía: Adam Newport-Berra
Operador de cámara: Mark Goellnicht
Jefe de equipo de iluminación: Adam Kolegas
Diseñadora de producción: Julie Berghoff
Colorista: Damien Vandercruyssen (Harbor)
Cámara: ARRI Alexa 35
Objetivo: 21 mm (fijo - el mismo objetivo utilizado durante toda la sesión fotográfica)
Estabilización: DJI Ronin (estabilizador) para transiciones entre ubicaciones.
Número de episodios: 10
Método: Cada escena se filmó en una sola toma continua, no solo un episodio, sino TODA la serie. Se realizaron pequeños cortes al principio y al final de las escenas; el episodio 2 se editó para que pareciera una sola toma continua.
Número medio de planos por escena: 16 (algunas escenas: 22 o más)
Episodio 2 "The Oner": filmado durante varios días al atardecer, con una ventana de luz de entre 90 y 120 minutos por día, editado para que parezca una sola toma de 25 minutos.
Segunda cámara: solo una vez, el día de Scorsese. Nunca se usó.
Inspiraciones declaradas: El jugador (Altman, 1992 - plano inicial de 8 minutos); Sed de mal (Welles); Uno de los nuestros (Scorsese); Boogie Nights (PT Anderson); Soy Cuba (Kalatozov)
Las oficinas de Continental Studios. Matt Remick (Seth Rogen), el nuevo director del estudio, camina por un pasillo. Suena su teléfono. Patty (Catherine O'Hara) aparece detrás de él. Sal (Ike Barinholtz) entra por una puerta lateral. Maya (Kathryn Hahn) se une a ellos en las escaleras. La cámara los sigue a los cuatro, rodeándolos mientras hablan, adelantándolos mientras caminan y encuadrándolos cuando se detienen. Sube un tramo de escaleras, atraviesa una oficina, sale a un estacionamiento, entra en un carrito de golf y llega a la oficina de Matt, todo sin cortes. Tres locaciones. Cuatro personajes principales. Dos cameos. Un carrito de golf. Cero cortes. Y esta es solo la primera escena del primer episodio. Los 10 episodios de la serie están filmados de la misma manera.
Por qué esta escena es icónica
En el episodio 2, titulado con un toque metacómico perfecto, "The Oner", el personaje de Matt observa a Sarah Polley (interpretándose a sí misma) rodando una toma larga en un plató. Murmura, asombrado: "Es como estar con P.T. Anderson en el plató de Boogie Nights cuando rodaron la toma inicial. O estar en el plató de Touch of Evil con Orson Welles durante la escena del coche bomba. O estar en las calles de Cuba cuando rodaron la secuencia del funeral en I Am Cuba".
Tres de las películas reseñadas en este sitio se mencionan en los diálogos de una comedia de Apple TV+. Rogen conoce bien la tradición del plano secuencia y la ha convertido en una filosofía de producción.
En The Studio, ningún episodio se graba en una sola toma continua. Es una serie completa grabada en una sola toma continua. Cada escena de cada episodio se filma en una sola toma ininterrumpida. Una cámara. Un objetivo (21 mm). No se utiliza el montaje como herramienta narrativa; el montaje se realiza en directo, en el plató, dentro de la coreografía de los actores y la cámara. Newport-Berra: «Intentamos mover la cámara lo máximo posible para abarcar la mayor parte del mundo posible. Nos aseguramos de que la cámara se sintiera libre y pudiera moverse en cualquier dirección. El equipo siempre estaba preparado para ello, y los decorados de Julie nos permitían mirar en cualquier dirección»
Rogen describió el efecto en el guion: «Nos obligó a ser muy exigentes con las escenas. ¿Son lo suficientemente buenas? ¿Son demasiado largas? Resultó instructivo para saber si las escenas funcionaban realmente, porque si eran demasiado largas, se notaba de inmediato». La ausencia de cortes se convirtió en una especie de detector de mentiras; si una escena no funcionaba en una sola toma, simplemente no funcionaba.
Cómo lo filmaron
Newport-Berra dejó clara la regla desde el primer día: "Hay que escribir para una ocasión única. El material tiene que ser adecuado". Rogen y Goldberg ya habían incorporado esta limitación al proceso de escritura; cada escena se diseñó con un principio, un desarrollo y un final que pudieran filmarse en un solo movimiento de cámara.
El proceso de rodaje diario: horas de ensayos por la mañana, a veces sin filmar hasta la hora del almuerzo (lo que ponía nerviosos a los productores), luego se rodaban 12 páginas a la vez, en un solo bloque. Rogen: «Una vez que empezábamos, no podíamos parar, y lo mejor de eso es que nunca se perdía el ritmo». Entre 16 y 22 tomas por escena. Las escenas evolucionaban en directo en el set, con la participación de los actores, el director de fotografía y el montador.
La elección técnica: una ARRI Alexa 35, un objetivo fijo de 21 mm, sin variación. Newport-Berra, Kolegas (jefe de tramoya) y Goellnicht (operador de cámara) tuvieron que idear formas de mantener la cámara fluida y discreta. El objetivo gran angular de 21 mm proporcionó suficiente profundidad de campo para mantener la acción nítida en todas las direcciones. El reto de los 360°, como en todas las tomas largas: era imposible ocultar las luces fuera de plano cuando la cámara podía girar en cualquier dirección. Berghoff diseñó cada decorado para que resultara creíble desde cualquier ángulo. La iluminación se basó en luz natural y elementos prácticos (farolas, luces de neón, lámparas de escritorio) integrados en el decorado.
El episodio 2, "The Oner", fue el más complejo. La trama: Matt y Sal conducen por las colinas de Hollywood para ver a Sarah Polley filmar una toma continua. El episodio completo de 25 minutos fue editado para que pareciera una sola toma continua, pero Goldberg confirmó que "no es una toma continua real". Se filmó durante varios días, al atardecer, en un lapso de 90 a 120 minutos de luz diurna por día. El equipo ensayaba todo el día y luego hacía tres o cuatro tomas con la luz adecuada. En una ocasión, el sol desapareció mientras filmaban y la cámara quemó un circuito al mismo tiempo: una doble falla simultánea.
Día de Scorsese. Rogen no le había dicho que la serie se rodaría íntegramente en planos secuencia. "Daba mucho miedo. No solo teníamos que dirigir a Scorsese, sino que también lo filmábamos de una manera muy específica, que es una de las cosas más difíciles para un actor". Rogen había pedido una segunda cámara, escondida en una habitación de hotel cercana, por si Scorsese preguntaba: "¿No tenéis una segunda cámara?". Cuando Scorsese llegó y Rogen le explicó la configuración, Scorsese dijo: "Genial, me encanta". La segunda cámara nunca llegó a usarse. Newport-Berra: "A Marty le encantan los planos secuencia y los enfoques contundentes, así que estaba totalmente de acuerdo"
Hahn era la más peligrosa: improvisaba diálogos tan graciosos que Rogen o el cámara se echaban a reír a carcajadas y arruinaban la toma. Todos —actores, técnicos, operadores de cámara— fallaban tomas en algún momento. Rogen y Goldberg habían aceptado esta realidad desde el principio: «Cuando lográbamos una toma perfecta, era uno de los momentos más eufóricos imaginables, porque era la colaboración en su máxima expresión. Con eso, si lograbas una toma perfecta, ya tenías el programa asegurado»
Los actores invitados entraron en pánico al llegar, pero luego encontraron su ritmo: "No den lo mejor de sí hasta la toma 5 o 6. Es como una maratón, no se agoten en las primeras tomas"
Qué observar al revisarlo
El objetivo de 21 mm se utiliza a lo largo de toda la serie. Se emplea la misma distancia focal en cada plano de cada episodio. Esta es una decisión radical; el objetivo gran angular de 21 mm exagera la profundidad y el movimiento, introduce una ligera distorsión en los bordes del encuadre y mantiene la nitidez en todo momento. Es el mismo principio que Lubezki utilizó en El renacido (exclusivamente con un objetivo de 12-21 mm), pero aplicado a una comedia.
Los decorados de 360° (que abarcan todo el espectáculo) son funcionales desde cualquier ángulo. No hay paredes faltantes, ni un lado de cámara impecable ni un lado técnico desordenado. Berghoff diseñó cada habitación como un espacio real, no como un plató de cine. Busque un foco visible o un cable en el suelo; no encontrará ninguno.
«The Oner» (~episodio 2, el episodio completo) Un monólogo sobre la creación de otro monólogo. El episodio más meta de la serie y, según Barinholtz, «probablemente el mejor». Matt menciona Boogie Nights, Touch of Evil y I Am Cuba. Tres películas reseñadas en este blog.
¿Lo sabías?
La inspiración inicial no fue una película de acción ni de guerra, sino *El Jugador* (1992) de Robert Altman, una sátira de Hollywood que comienza con un plano secuencia de ocho minutos que recorre un estudio. Goldberg: "Ese plano inicial nos inspiró muchísimo". Altman mostraba el funcionamiento interno de Hollywood con un plano continuo que pasaba de una conversación a otra sin cortes. Rogen y Goldberg tomaron esa idea y la aplicaron a toda una serie: no solo al inicio, ni a un solo episodio, sino a diez episodios de 30 minutos.
The Studio es la segunda serie, después de Adolescence (2025), que utiliza el plano secuencia como formato principal, no como un simple recurso ostentoso. Sin embargo, ambos enfoques son polos opuestos. Adolescence es un drama crudo: DJI Ronin 4D, cero efectos visuales, actores no profesionales, temática traumática. The Studio es una comedia sofisticada: Alexa 35, película de 21 mm, estrellas de cine, improvisación. Una filma el sufrimiento. La otra, el absurdo. Ambas han llegado a la conclusión de que el plano secuencia es el formato natural para contar historias en tiempo real, ya sea un asesinato en South Yorkshire o Martin Scorsese llorando en una oficina de estudio porque su película sobre Jonestown acaba de ser cancelada.
Y la toma larga se convirtió inesperadamente en una herramienta de protección creativa. Rogen explicó al New York Times que rodar en tomas continuas hacía prácticamente imposible implementar las indicaciones de los ejecutivos de Apple: «Si cortas tres líneas de diálogo en medio de una toma, la toma deja de funcionar». La falta de edición se convirtió en un escudo contra la interferencia del estudio. La toma larga como acto de resistencia creativa: exactamente lo que los personajes de la serie intentan (y fracasan) en hacer.
Fuentes
Adam Newport-Berra - IndieWire Filmmaker Toolkit, "Por qué cada toma en el estudio es una toma larga y elaborada" (mayo de 2025)
Adam Newport-Berra - Variety, "Cómo el estudio grabó su episodio en una sola toma" (junio de 2025)
Adam Newport-Berra - Harbor / Foundry, "Una cámara, un objetivo: cómo el estudio creó un programa con la Oner" (abril de 2025)
Seth Rogen y Evan Goldberg - IndieWire (mayo de 2025)
Seth Rogen - Variety, "Martin Scorsese: El cameo en el estudio: Cómo Seth Rogen dirigió a su héroe" (marzo de 2025)
Seth Rogen - The Hollywood Reporter, "Cómo se filmó la comedia de Seth Rogen para Apple TV+, The Studio" (abril de 2025)
Seth Rogen - New York Times (marzo de 2025)
Evan Goldberg - Experto en televisión, "Cómo el estudio consiguió a Scorsese y filmó ese épico primer episodio" (marzo de 2025)
Ike Barinholtz - Variety Australia (abril de 2025)
Consequence of Sound - "Reseña del estudio: Uno de los mejores programas de televisión de 2025" (marzo de 2025)
Apple Magazine - "El estudio de Seth Rogen supera en astucia a los ejecutivos de Apple" (marzo de 2025)
Lea también
Adolescencia (2025) https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/adolescence - La otra serie de toma continua de 2025, la misma técnica utilizada para retratar el sufrimiento en lugar de la comedia.
El renacido - El ataque del oso https://www.plan-sequences.com/categories-de-plans-sequences/the-revenant-plan-sequence-1 - La misma elección radical de una única distancia focal (12-21 mm para Lubezki) aplicada aquí a una comedia en lugar de un drama de supervivencia.
