Secuencia de planos de La La Land (2016)
Título original: La La Land
Año: 2016 (estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia el 31 de agosto de 2016 - estreno en EE. UU. el 9 de diciembre de 2016, Francia el 25 de enero de 2017)
Director y guionista: Damien Chazelle
Productores: Fred Berger, Jordan Horowitz, Marc Platt, Gary Gilbert (Summit Entertainment / Lionsgate)
País: Estados Unidos
(DP de Fotografía): Linus Sandgren, ASC, FSF - Sueco, anteriormente DP de David O. Russell en American Hustle (2013) y Joy (2015)
Operador de Steadicam (cámara estabilizada mediante un arnés articulado): Ari Robbins
Coreógrafa: Mandy Moore (quien ya fue coreógrafa en American Hustle y Silver Linings Playbook)
Compositor: Justin Hurwitz (compañero de clase y de habitación de Chazelle en Harvard; también compositor de Whiplash).
Letristas de "Another Day of Sun": Benj Pasek y Justin Paul (futuros guionistas de Dear Evan Hansen en Broadway).
Diseñador de producción: David Wasco (quien ya fue el diseñador de producción de Pulp Fiction y Kill Bill).
Vestuario: Mary Zophres
Editor: Tom Cross (Premio Óscar al Mejor Montaje por Whiplash el año anterior)
Cámara: Panavision Panaflex Millennium XL2
Óptica: Lentes anamórficas Panavision de las series C y E, con una lente de 40 mm fabricada a medida por Panavision para una distancia focal de 9 pulgadas (en lugar de los 3 pies estándar).
Formato de película: 35 mm (con una secuencia en 16 mm anamórfico para otra escena de la película).
Formato: CinemaScope 2.55:1: la relación de aspecto de la década de 1950 (y no la actual 2.39:1), una elección deliberada para evocar Beau fixe sur New York (It's Always Fair Weather, 1955).
Actores (secuencia inicial): más de 100 bailarines anónimos; Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling) aparecen al fondo al final de la toma.
Lugar de rodaje: rampa que conecta los carriles para vehículos compartidos de las autopistas 105 y 110 (centro de Los Ángeles).
Preparación del estacionamiento: 5 días de ensayos en un estacionamiento de San Fernando Road con una cuarta parte de los autos y todos los bailarines.
Filmación: 2 días, agosto de 2015, cerrada por la Patrulla de Carreteras de California durante un fin de semana.
Número de tomas: de 25 a 27 durante la fotografía principal, persiguiendo la luz.
Duración de la toma analizada: aproximadamente 6 minutos (3 tomas combinadas)
Presupuesto total de la película: 30 millones de dólares.
Recaudación mundial en taquilla: 443 millones de dólares.
Premios cinematográficos: 7 Globos de Oro (un récord histórico para una sola ceremonia), 14 nominaciones al Oscar en 2017 (empatada con Titanic y All About Eve), 6 premios Oscar , incluyendo Mejor Fotografía para Sandgren, Mejor Banda Sonora Original para Hurwitz, Mejor Canción Original por "City of Stars", Mejor Director para Chazelle, Mejor Actriz para Stone y Mejor Diseño de Producción para Wasco.
Un atasco en una rampa de salida de una autopista de Los Ángeles. Decenas de conductores atrapados bajo el sol californiano, con las ventanillas bajadas y la radio sintonizada en distintas emisoras: country, hip-hop, salsa. Una mujer empieza a cantar suavemente en su coche. Luego otra sale por la puerta. Y de repente, todo el mundo baila sobre los capós, entre las puertas, en medio de la carretera, sobre los techos de los camiones. Más de cien bailarines con ropa de colores primarios se mueven al ritmo de la canción "Another Day of Sun". La cámara se desliza sobre los coches, se sumerge entre los bailarines, sube y baja, sin cortes. Seis minutos de movimiento aparentemente continuo. Cuando la música se detiene, todos vuelven a sus coches, como si nada hubiera pasado. Las bocinas vuelven a sonar. Mia y Sebastián aún no se conocen, pero ya estás en su mundo
Por qué esta escena es icónica
Lo que llama la atención es el contraste. Estás en una autopista, uno de los lugares menos poéticos que puedas imaginar, y en cuestión de segundos, todo se transforma en pura musicalidad. Chazelle no te pide permiso. No prepara el terreno. Te sumerge en el artificio desde la primera imagen y te obliga a aceptar las reglas de su universo: aquí, la gente canta y baila cuando le apetece. Si te dejas llevar, el resto de la película funciona. Si te desconectas, se acabó. El comienzo es una prueba y un pacto con el espectador desde el primer plano
La elección del plano secuencia simulado aumenta la tensión. Sin edición para suavizar el impacto. Sin cortes para tomar un respiro. O estás dentro o estás fuera. Esta es precisamente la estrategia que Iñárritu había aplicado dos años antes en Birdman (otra película ganadora del Óscar a la Mejor Película que comienza con un plano secuencia simulado), pero Chazelle la invierte por completo: mientras que Iñárritu rechaza los cortes para atrapar al espectador en el infierno mental de un actor, Chazelle los rechaza para sumergirlo en la alegría. El plano secuencia ya no es una herramienta para crear tensión; se ha convertido en una herramienta de celebración.
Y luego está la apuesta de la producción. En 2016, financiar un musical original —es decir, uno con canciones nunca antes escuchadas, ambientado en un jazz que los estudios consideraban un "género definitivamente extinto"— era una auténtica locura. Hurwitz y Chazelle escribieron el guion en Harvard, se mudaron juntos a Los Ángeles en 2010 y pasaron cinco años buscando un estudio. Fue el éxito de Whiplash en 2014 lo que finalmente impulsó el proyecto en Summit. La escena inicial en la autopista es el acto de fe de la película: si funciona, la apuesta habrá valido la pena. Si fracasa, la película no tendrá ninguna posibilidad.
Cómo lo filmaron
La secuencia requirió seis meses de preparación. Chazelle y la coreógrafa Mandy Moore comenzaron ensayando en un estacionamiento de San Fernando Road con una cuarta parte de los autos y 100 bailarines, filmando cada ensayo con un iPhone. Este montaje de iPhone se convirtió, según Chazelle, en "nuestra biblia". Cinco días de ensayos en el estacionamiento, y luego el traslado directo a la autopista.
Inicialmente, la toma se iba a filmar completamente con una Steadicam. Pero cuando el equipo descubrió la ubicación real —la rampa que conecta los carriles para vehículos compartidos de las autopistas 105 y 110— surgió un problema: una barrera central de concreto impedía que la Steadicam pasara de un carril a otro. Sandgren tuvo que replantear toda la configuración y usar una grúa telescópica para los movimientos por encima de los autos. Surgió un nuevo problema: bajo el intenso sol de agosto en Los Ángeles, la grúa proyectaba su sombra en el encuadre. Era imposible evitarlo en una toma verdaderamente continua
La solución la documenta el propio Sandgren: «Fue un rompecabezas técnico. Mantuvimos la idea del movimiento, pero en ciertos momentos tuvimos que posicionarnos detrás de los bailarines en lugar de delante. Para lidiar con las sombras, dividimos la escena en varias tomas y disimulamos los cortes con la técnica del paneo rápido. Para el espectador, es la ilusión de una sola toma, tal como quería Damien Chazelle». La secuencia consta, por lo tanto, de tres tomas ensambladas mediante dos paneos rápidos (paneos rápidos en los que la cámara se desplaza horizontalmente tan velozmente que la imagen borrosa disimula el corte). El primer corte se produce a los 3 minutos, el segundo a los 4 minutos y 45 segundos.
Las dos primeras tomas están filmadas íntegramente con grúas. La tercera comienza con una Steadicam, con Ari Robbins corriendo entre los coches durante aproximadamente un minuto, para luego pasar a una grúa casera construida específicamente para la toma final en picado de los bailarines. La misma técnica de cortes ocultos en paneos rápidos se utiliza 68 años después de que Hitchcock la popularizara en La soga, pero con un tema completamente opuesto: la alegría colectiva en lugar del asesinato oculto.
Todo se filmó en película de 35 mm con una cámara Panavision Panaflex Millennium XL2, en CinemaScope 2.55:1, la relación de aspecto de los años 50 (no la actual 2.39:1). Sandgren explicó a la revista MovieMaker que Chazelle quería recrear la estética de It 's Always Fair Weather (1955) y los musicales de MGM de la época dorada. Los objetivos son anamórficos Panavision de las series C y E, elegidos por su estilo clásico de Hollywood. Una limitación técnica: estos objetivos tienen una distancia mínima de enfoque de 3 pies (aproximadamente 90 cm), lo que resultaba problemático para los primeros planos que Chazelle quería incorporar a la coreografía. Panavision fabricó entonces a medida un objetivo anamórfico de 40 mm para permitir el enfoque a 9 pulgadas (aproximadamente 23 cm). Este objetivo único se utilizó para los planos más cerrados de la película.
El ensayo general en la autopista fue un desastre. Chazelle lo admitió en declaraciones a TheWrap: "La grúa no se mueve como un iPhone. La coreografía era diferente, la pendiente de la rampa generó otros problemas. Todo fue complicado. Con las ráfagas de viento golpeando las grúas, no queríamos que la cámara chocara con un bailarín o un coche, ni que perdiera el enfoque". El equipo se marchó, recalibraron y regresaron dos semanas después para el rodaje, esta vez con Gosling y Stone entre los bailarines que aparecían al fondo de la toma final.
La Patrulla de Carreteras de California solo cerró la rampa de salida, no las autopistas principales. Los carriles habituales permanecieron abiertos, y durante la actuación se puede apreciar tráfico real de fondo. Este detalle ancla la actuación en la realidad y evita que la escena caiga en la pura fantasía: el sueño hollywoodiense se desarrolla junto a un auténtico atasco
El primer día de rodaje se vio empañado por las nubes; es difícil filmar una canción titulada "Another Day of Sun" sin sol. El equipo rodó entre 25 y 27 tomas a plena luz de la hora mágica (la dorada tarde que buscan todos los directores de fotografía), buscando la luz perfecta en cada toma. Chazelle resumió el trabajo invisible para TheWrap: "Mis bailarines, a quienes no se ven, son un operador de grúa y un operador de Steadicam fenomenales. Su coreografía era tan precisa como la de cualquier otro en el encuadre " .
Qué observar al revisarlo
En los minutos 3:00 y 4:45, fíjate en los dos cortes ocultos. La cámara realiza un rápido paneo que disimula el corte. Una vez que sepas dónde están, no podrás pasarlos por alto. La técnica es exactamente la misma que inventó Hitchcock para La soga, adaptada 68 años después y con una temática completamente diferente.
Tráfico real de fondo. Los carriles habituales de la autopista no estaban cerrados. Detrás de los bailarines, circulaban coches de verdad. Este detalle ancla la actuación en la realidad y evita que la escena caiga en la pura fantasía, una elección típica del director Chazelle, quien constantemente combina el realismo social (audiciones fallidas, trabajos sin futuro) con el sueño de Hollywood a lo largo de la película.
La toma final, la última toma en picado, muestra a Robbins corriendo entre coches con una Steadicam, para luego subirse a una grúa improvisada. El movimiento pasa de íntimo (entre los bailarines) a panorámico (por encima de todos). Es la transición entre "Estoy en la fiesta" y "Estoy viendo la fiesta", el mismo movimiento emocional que recorre toda la película. Es también el homenaje más directo a las tomas en picado de Busby Berkeley en los musicales de los años 30 (Calle 42, Desfile de luces).
¿Sabías?
Hurwitz y Chazelle: Una amistad en Harvard. El compositor Justin Hurwitz fue compañero de clase y de habitación de Damien Chazelle en Harvard. Se mudaron juntos a Los Ángeles en 2010 y pasaron cinco años buscando un estudio que financiara un musical de jazz original. Fue el éxito de Whiplash (2014) lo que finalmente impulsó el proyecto en Summit Entertainment. Para "Another Day of Sun", Hurwitz trabajó con los letristas Benj Pasek y Justin Paul, quienes más tarde escribirían el Dear Evan Hansen . La canción ganó el Óscar a la Mejor Canción Original en la misma ceremonia donde también se alzó con el premio "City of Stars" (otra canción de Hurwitz, Pasek y Paul de la misma película).
La relación de aspecto 2.55:1 de CinemaScope, una firma secreta: toda la película está filmada en 2.55:1, la relación de aspecto original de CinemaScope de la década de 1950 (no el estándar contemporáneo 2.39:1). Este formato ya no está disponible en equipos de la época. Chazelle hizo reconstruir toda la cadena mediante Panavision. Esto es lo que le da a la película su silueta ultra panorámica, diferente a todo lo que hayas visto antes en 2016. Una referencia directa a * The Beautiful Days in New York* (Donen-Kelly, 1955).
La influencia de Boogie Nights es innegable: la transición entre la grúa y la Steadicam que caracteriza el estilo visual de La La Land es una clara referencia Boogie Nights , una influencia que Chazelle ha reconocido públicamente. Sandgren también citó a Jacques Demy (Los paraguas de Cherburgo, Las señoritas de Rochefort) como una referencia clave para la paleta de colores. Y el plano aéreo se inspira en Busby Berkeley.
Los destellos de lente calibrados : Cada destello de lente en la película es intencional y controlado. Sandgren los utilizó para señalar los momentos en que los personajes transitan de la realidad al sueño. Esta es también la razón por la que insistió en filmar en película de 35 mm: un sensor digital no habría reproducido la firma óptica de las lentes anamórficas de aquella época.
Seis Oscars, 14 nominaciones, un sobre maldito. La película ganó seis Oscars en la 89.ª edición de los Premios de la Academia en 2017 (Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Canción Original, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Diseño de Producción), de 14 nominaciones, igualando el récord histórico de Titanic y All About Eve. Debería haber ganado siete: en la ceremonia, Warren Beatty y Faye Dunaway anunciaron erróneamente a La La Land como Mejor Película, antes de que se corrigiera a Moonlight. La secuencia de "Another Day of Sun" se ha convertido en uno de los momentos más reproducidos en la historia reciente de los Oscar y el clip mostrado durante el anuncio de la Mejor Película.
El hombre invisible detrás de la cámara: David Wasco. El diseñador de producción David Wasco, responsable ya de los decorados de Pulp Fiction y Kill Bill (toda la trilogía de Tarantino hasta ese momento), tuvo la idea de que Sebastián condujera un Buick Riviera de los 80. El proyector de planetario para la escena del Observatorio Griffith se encontró de segunda mano en eBay, un auténtico Minolta vintage, el mismo modelo que el utilizado en Rebelde sin causa (1955).
Fuentes
TheWrap - Steve Pond, "La escena inicial de La La Land en la autopista: ¿Cómo lo hicieron?" (diciembre de 2016)
IndieWire – “Mesa redonda sobre la creación de La La Land: Cómo se hizo un musical neoclásico de Hollywood” (diciembre de 2016)
IndieWire - “Damien Chazelle diseñó la escena inicial de La La Land en su iPhone” (febrero de 2017)
Revista MovieMaker - Paula Schwartz, "La cámara es una bailarina: el director de fotografía Linus Sandgren nos explica cómo él y Damien Chazelle filmaron La La Land" (enero de 2017)
Fecha límite - Entrevista con Linus Sandgren (febrero de 2017)
Kodak - "Rodada en CinemaScope, La La Land evoca con gran viveza el romanticismo de antaño" (2017)
SBIFF - Perfil de La La Land con citas de Sandgren
Sin escuela de cine: "Lo que puedes aprender de la cinematografía de La La Land"
Rolling Stone - Peter Travers, reseña de La La Land (diciembre de 2016)
Wikipedia Francia - La La Land (película) (citas de Sandgren)
Wikipedia - La La Land (premios y producción)
Vocal Media - Detrás de cámaras: Ari Robbins (Instagram)
Lea también
Birdman (2014) toma larga : Dos años antes de La La Land, Iñárritu y Lubezki habían ganado un Óscar a la Mejor Película con una toma aparentemente continua de 119 minutos. Chazelle adopta la misma gramática, pero invierte por completo la intención: una toma continua para el disfrute colectivo en lugar de una trampa mental.
El plano secuencia de La soga (1948) : el modelo histórico para el falso plano secuencia. En 1948, Hitchcock inventó el principio de los cortes ocultos entre obstáculos visuales. Sandgren aplica exactamente el mismo principio en 2016, utilizando paneos rápidos en lugar de fondos oscuros.
Boogie Nights (1997) - Plano secuencia – Chazelle reconoce abiertamente la influencia de Paul Thomas Anderson en las transiciones de grúa/Steadicam. Anderson es otro maestro contemporáneo del plano secuencia coreografiado, y Chazelle no lo oculta.
Tomas largas verdaderas vs. falsas: la guía completa . La técnica de paneo rápido utilizada por Sandgren para ocultar las dos costuras en "Another Day of Sun" explicada paso a paso: por qué el paneo rápido sigue siendo, 78 años después de Hitchcock, la mejor herramienta para transiciones invisibles.
