La soga (1948) - La película que inventó el falso plano secuencia
Título original:Rope (estrenada en Estados Unidos el 25 de septiembre de 1948; estrenada en Nueva York el 26 de agosto de 1948)
Año : 1948
Director: Alfred Hitchcock
Productores: Alfred Hitchcock y Sidney Bernstein, Transatlantic Pictures (la primera película que Hitchcock produjo él mismo tras diez años bajo contrato con David O. Selznick).
Distribución: Warner Bros. Pictures (reestrenada en 1983 por Universal Classics como parte del relanzamiento de "5 películas perdidas de Hitchcock")
Obra original:Rope (1929) de Patrick Hamilton, retitulada Rope's End para su estreno en Nueva York.
Adaptación cinematográfica: Hume Cronyn (tratamiento)
Guionista: Arthur Laurents (futuro guionista de West Side Story en Broadway en 1957 y de Gypsy en 1959)
Inspiración real: el caso Leopold y Loeb (1924). Nathan Leopold y Richard Loeb, estudiantes de la Universidad de Chicago obsesionados con Nietzsche y el concepto delÜbermensch (superhombre), asesinaron a Bobby Franks, de 14 años, para demostrar su "superioridad intelectual" cometiendo el crimen perfecto. Fueron condenados a cadena perpetua.
País: Estados Unidos
(DP de Fotografía): Joseph A. Valentine, ASC y William V. Skall, ASC
Directora de Technicolor: Natalie Kalmus (consultora de color especializada en el proceso Technicolor)
Director artístico: Perry Ferguson
Decoradores: Emile Kuri y Howard Bristol
Editor: William H. Ziegler (con poco que editar, por definición)
Inventor del carrito de cámara: Morris Rosen, jefe de equipo, nominado al Oscar por su carrito de cámara diseñado a medida.
Director musical: Leo F. Forbstein
Música: adaptada de Movimiento perpetuo n.° 1 de Francis Poulenc, interpretada al piano por Phillip varias veces durante la película.
Formato: Technicolor de 3 bandas, relación de aspecto 1,37:1 (relación de aspecto de la Academia)
Cámara: Cámara Technicolor (un modelo voluminoso con tres carretes paralelos), montada sobre una plataforma rodante construida específicamente por Morris Rosen para acceder a todo el decorado.
Cargador de película: ~1000 pies = aproximadamente 10 minutos máximo por rollo.
Actores principales: James Stewart (Rupert Cadell), John Dall (Brandon Shaw), Farley Granger (Phillip Morgan), Cedric Hardwicke (Sr. Kentley), Constance Collier (Sra. Atwater), Joan Chandler (Janet Walker)
Lugar de rodaje: Estudio 12 de Warner Bros.
Preparación: 15 días de ensayos técnicos antes de la primera vuelta de la manivela.
Duración de la película: 80 minutos, 11 tomas montadas
La primera película en Technicolor de Hitchcock
La primera de las cuatro películas de Hitchcock protagonizadas por James Stewart (seguida de La ventana indiscreta, El hombre que sabía demasiado y Vértigo).
Fuentes principales: François Truffaut, Hitchcock/Truffaut (1967); Arthur Laurents, memorias Original Story By (2001); American Cinematographer (julio de 1948 + relecturas contemporáneas); Catálogo del AFI; Wikipedia; Deep Focus Review
Dos jóvenes, Brandon (John Dall) y Phillip (Farley Granger), estrangulan a su compañero de clase David con una cuerda en el salón de un apartamento de Manhattan. El telón se levanta justo en su último aliento. Meten el cuerpo en un baúl de madera, colocan encima un aparador y una vajilla, e invitan a cenar a los padres de la víctima, a su prometida, a su amigo y a su antiguo profesor de la escuela preparatoria (Rupert Cadell, interpretado por James Stewart), para demostrar su "superioridad intelectual" cometiendo el crimen perfecto. La cámara no corta. O eso crees. Durante 80 minutos, se desliza entre los invitados, gira alrededor de los muebles, hace zoom en los rostros y se aleja, como un invitado invisible que sabe más que nadie. Para cuando Stewart empieza a sospechar, ya lo sabes todo, y no hay nada que puedas hacer más que observar
Por qué esta escena es icónica
Hablar de "escenas" aquí carece de sentido: toda la película está concebida como una sola toma continua. Esto es precisamente lo que crea la tensión, y también es la primera vez en la historia del cine que un largometraje se atreve con la arriesgada técnica de la toma única. Al negarse a cortar, Hitchcock te niega el respiro que ofrece el montaje clásico. Estás atrapado en este apartamento exactamente como el cadáver está atrapado en la caja fuerte. El tiempo de la película es el tiempo real de la noche: la acción comienza alrededor de las 19:30 y termina alrededor de las 21:15. No puedes adelantar, no puedes saltar hacia adelante, no puedes apartar la mirada
La ausencia del cristal transforma cualquier conversación informal en una prueba de nervios, porque sabes que debajo del aparador hay un cadáver. Y que la copa de champán de Stewart descansa sobre la caja fuerte. Hitchcock aplica su propia teoría del suspense al pie de la letra: mostrar al espectador la revelación impactante pronto, dejar que los personajes la analicen; pero al eliminar el cristal, lleva el ejercicio a un punto que sus películas posteriores jamás se atreverían a intentar: sin respiro entre planos, sin puntos suspensivos, sin cortes que permitan un suspiro. El suspense se vuelve claustrofóbico
El impacto de su obra trasciende con creces La soga. Todo lo que vino después —Birdman (Iñárritu, 2014), 1917 (Mendes, 2019), Mr. Robot (Esmail, 2017) e Hijos de los hombres (Cuarón, 2006)— se basa en el mismo principio: ensamblar múltiples tomas disimulando los cortes para crear la ilusión de un solo plano. La soga es el modelo. Antes de Hitchcock, nadie lo había intentado. Setenta y ocho años después, aún se sigue imitando.
Cómo lo filmaron
En 1948, un cargador de película Technicolor de 35 mm contenía aproximadamente 305 metros de película, o un máximo de unos diez minutos de grabación. Esta era la limitación absoluta. Hitchcock cortó su película en tomas continuas de no más de diez minutos cada una, y luego ocultó los cambios de rollo con dos tipos de empalmes
Cortes ocultos. Cinco veces en la película, la cámara se acerca a un objeto o a la espalda de un personaje hasta que el encuadre queda completamente negro. Durante esta oscuridad, el equipo cortaba, cambiaba el rollo y reanudaba la filmación desde la misma posición. La espalda de la chaqueta de Brandon es la máscara que se usa con más frecuencia. La tapa del maletero también sirve como un detalle macabro perfecto para la película.
Los cortes limpios. Los otros cinco cortes son cortes clásicos, deliberadamente no disimulados. Corresponden a los cambios de rollo que hacía el proyeccionista en el cine. Cada 20 minutos (dos rollos de diez minutos), el proyeccionista tenía que cambiar físicamente los proyectores. Hitchcock no podía ocultar estos cortes: tenía que dejarle al proyeccionista cierto margen de sincronización.
El resultado: 11 planos (incluidos los créditos), con una duración que oscila entre los 2 minutos y 30 segundos y los 10 minutos y 6 segundos. La película dura exactamente 80 minutos
El plató era una pesadilla. La cámara Technicolor de la época era enorme, mucho más grande que una cámara en blanco y negro, ya que exponía simultáneamente tres tiras de película. Para que pudiera moverse libremente por el apartamento, el jefe de tramoyistas Morris Rosen inventó un carrito a medida, un invento que le valió una nominación al Óscar. Las paredes del plató estaban montadas sobre raíles y los tramoyistas las movían silenciosamente durante las tomas, para luego volver a colocarlas en su sitio antes de que la cámara regresara al encuadre. Los utileros movían y reponían los muebles constantemente. Detrás de la cámara se desarrollaba un ballet invisible mientras los actores actuaban delante de ella.
Iluminación. Joseph Valentine explicó en American Cinematographer que todo debía colocarse en alto, como en un estudio de televisión, para evitar que las sombras de la cámara y los mástiles cayeran en el encuadre. En una sola toma, se utilizaron diez micrófonos simultáneamente, con cinco paneles de atenuaciónoperadosen tiempo real por electricistas ocultos.
El cielo. El fondo visible a través de las ventanas, el horizonte de Nueva York, era una maqueta de 56 km (aproximadamente 35 millas a escala) montada tras la fachada de cristal, iluminada por 6000 bombillas incandescentes y 200 luces de neón. La iluminación de este panorama cambiaba gradualmente a lo largo de la película para simular la transición del crepúsculo a la noche, con las luces de neón iluminando una a una las maquetas de los edificios.
Hitchcock justificó su transición al Technicolor, su primera película en color tras veinte años de carrera, con una razón específica que dio a la revista American Cinematographer en 1948: "El color marcará el cambio de hora del día, desde el atardecer hasta la oscuridad, lo cual es de vital importancia dramática para la historia". Le confió a Truffaut que tuvo que volver a filmar los últimos cuatro o cinco segmentos de la película porque no estaba satisfecho con el aspecto de los colores del atardecer en la maqueta.
quince días de ensayos técnicos antes del primer día de rodaje. Actores, tramoyistas, operadores de micrófono, electricistas: todos debían conocer la coreografía al detalle. Durante el rodaje, James Stewart finalmente se derrumbó. Cuenta la leyenda, según informa TCM, que le preguntó a Hitchcock por qué, si estaba tan empeñado en capturar la esencia del teatro en vivo, no se limitaba a colocar butacas en el estudio y vender entradas. Stewart aún considera La soga uno de sus peores papeles. Sin embargo, fue la película que dio inicio a su colaboración con Hitchcock, que continuaría con La ventana indiscreta, El hombre que sabía demasiado y Vértigo.
Qué observar al revisarlo
Los cinco cortes ocultos: Fíjate en los momentos en que la imagen se oscurece por completo. La espalda de Brandon, la tapa del maletero, un mueble que aparece en primer plano. Una vez que los identifiques, no podrás pasarlos por alto y te darás cuenta de lo torpes que son algunos. El corte más evidente se produce alrededor del minuto 18, cuando un sirviente cruza la pantalla frente a la cámara.
Atardecer a través de la ventana: Sigue el cambio de luz en la maqueta de Nueva York al fondo. Al principio, es un crepúsculo anaranjado. Al final, es una oscuridad total con luces de neón. Hitchcock volvió a filmar los segmentos finales porque no estaba satisfecho con el degradado; consideró que la primera versión era demasiado "tosca" para su primer uso del Technicolor.
La copa de champán sobre el baúl (~45 min) Cuando Stewart, distraídamente, coloca su copa sobre el baúl que contiene el cadáver, Phillip (Granger) entra en pánico. La cámara enfoca sus manos: ha roto la copa de champán y se ha cortado. Hitchcock no muestra la rotura de la copa; muestra las manos ensangrentadas y deja que el espectador complete la escena. Este es el principio fundamental de la sugerencia hitchcockiana, contenido en una sola transición de fotograma.
¿Sabías?
El subtexto gay que pasó desapercibido para el Código Hays: El guionista Arthur Laurents (futuro autor de West Side Story y Gypsy) era gay y tuvo una aventura con Farley Granger, quien interpretaba a Phillip, durante el rodaje. Hitchcock lo sabía, los eligió a ambos deliberadamente y nunca habló de ello explícitamente. Laurents lo confirmó en sus memorias, Original Story By (2001): «No había ni una palabra en el diálogo que dijera que los amantes eran amantes o gays, pero no había ninguna escena entre ellos donde no estuviera claramente implícito. Está ahí, hay que buscarlo, pero está ahí, sin duda». Farley Granger, en el documental The Celluloid Closet (1995): «Sabíamos que eran gays, por supuesto. Nadie habló de ello; era 1947, no lo olvidemos. Pero era uno de los puntos clave de la película, en cierto modo». El Código Hays prohibía cualquier representación explícita de la homosexualidad. El trasfondo está presente en todas partes: la convivencia, las discusiones entre una pareja de ancianos, el comentario de Janet sobre que Phillip no come carne ("Qué raro"), una ironía que pasó completamente desapercibida para los censores.
La obra de Patrick Hamilton, El caso Leopold y Loeb (1924), está inspirada en el asesinato real de Bobby Franks, de 14 años, a manos de Nathan Leopold y Richard Loeb, estudiantes de la Universidad de Chicago. Los dos jóvenes, obsesionados con el concepto nietzscheano delÜbermensch (superhombre), querían demostrar su superioridad intelectual cometiendo el "crimen perfecto". Fueron condenados a cadena perpetua. Este mismo caso inspiró directamente Compulsion (Richard Fleischer, 1959) y Swoon (Tom Kalin, 1992).
Hitchcock odiaba su propia película. En Hitchcock/Truffaut, confesó: «Realmente no sé por qué me dejé llevar por esa idea. Al reflexionar sobre ello, me doy cuenta de que fue bastante absurdo, porque estaba contradiciendo todas mis teorías sobre la importancia del montaje». La película fracasó en taquilla en 1948. Iñárritu, quien, sin embargo, reutilizó el principio para Birdman, declaró que consideraba La soga una mala película. El principio sobrevivió a la película.
Cary Grant y Montgomery Clift rechazaron el papel de Rupert Cadell (interpretado por Stewart) debido al subtexto homosexual del guion, que consideraban demasiado arriesgado para sus carreras. Se dice que la negativa de Grant provocó una ruptura con Hitchcock que duró casi una década antes de que se reconciliaran en Atrapa a un ladrón (1955). MGM había considerado inicialmente el proyecto como un vehículo para Gregory Peck.
La broma interna sobre Notorious (1946): Durante la cena, la Sra. Atwater (Constance Collier) menciona a Cary Grant: «Estuvo genial en esa nueva película con Bergman». Arthur Laurents incluyó esta frase como referencia a Notorious (1946), la película anterior de Hitchcock protagonizada por Grant y Bergman. Una sutil indirecta al actor que acababa de rechazar el papel de Rupert.
El cameo de Hitchcock como silueta: Según el catálogo del AFI y el propio Arthur Laurents (comentario del DVD de 2000), Hitchcock aparece brevemente como un hombre caminando por una calle de Manhattan justo después de los créditos iniciales. Inicialmente había planeado aparecer como una silueta en un letrero de neón de Reduco (ya utilizado en Extraños en un tren), pero finalmente decidió que sería "demasiado juguetón" para el tono serio de la película. El debate en torno a este cameo aún divide a los entusiastas de Hitchcock: según Thomas M. Leitch (La enciclopedia de Alfred Hitchcock), solo el letrero de neón es su verdadera aparición.
Fuentes
François Truffaut, Hitchcock/Truffaut (Simon & Schuster, 1967)
Arthur Laurents, Historia original de: Memorias de Broadway y Hollywood (Applause, 2001)
Joseph Valentine, director de fotografía estadounidense (julio de 1948)
La ASC "La soga de Alfred Hitchcock: algo diferente"
Vito Russo, El armario del celuloide (libro de 1981, documental de 1995)
Catálogo AFI - Cuerda (1948)
Reseña de Deep Focus - "La soga (1948)" (Brian Eggert)
TCM - "Cuerda" (instrucciones de producción)
Cinephilia & Beyond - "Provocadora, reflexiva y con actuaciones espléndidas, ' La soga es una película increíble".
Vashi Nedomansky, “Alfred Hitchcock: Ocultando los cortes en la cuerda” (VashiVisuals, 2013)
Cultura Abierta - "Los 10 cortes ocultos en la cuerda"
Sin escuela de cine: "Comprendiendo el montaje oculto en La soga de Hitchcock"
Guarida de Geeks - "La soga de Alfred Hitchcock y la ilusión de la toma ininterrumpida"
El cine de Frida - "La disidencia sexual formal y subtextual en Rope" (Liam Kilby, 2024)
Wikipedia - La soga (película) y La soga (obra de teatro)
Brenton Film - Guía para coleccionistas de Alfred Hitchcock: La soga (1948)
Variety, reseña de 1948
Lea también:
Birdman (2014) : Iñárritu y Lubezki replican la misma técnica que en La soga (planos ocultos en fondos, paredes oscuras, puertas) a escala de toda una película, 66 años después, utilizando una cámara digital en lugar de un depósito de película de 300 metros. El principio sigue siendo el mismo, solo ha evolucionado el equipo.
1917 (2019) – Mendes y Deakins llevan el concepto de La soga más allá del apartamento y lo adentran en las trincheras de la Primera Guerra Mundial. El drama de cámara hitchcockiano se convierte en una guerra abierta, pero la mecánica del corte oculto permanece exactamente igual.
La toma continua de El arca rusa (2002) es todo lo contrario a La soga. Mientras que Hitchcock se vio obligado a recurrir a trucos (por falta de película con capacidad para 80 minutos), Sokurov esperó la llegada del disco duro digital para rodar 96 minutos en una sola toma real, sin cortes ocultos. La verdadera respuesta tecnológica al "proeza" de 1948.
Secuencia de una sola toma de Mr. Robot - eps3.4_runtime-err0r.r00 (2017) - Sam Esmail aplica la gramática de La soga a un episodio completo de una serie de cable, con 31 ediciones ocultas aprobadas por USA Network. El método hitchcockiano se ha convertido en el estándar para la televisión de prestigio.
Planos secuencia reales frente a planos secuencia falsos: la guía completa : cómo 5 cortes ocultos y 5 cortes directos crean la ilusión de un único plano secuencia de 80 minutos: el mecanismo inventado por Hitchcock, explicado paso a paso.
